Exposition de Noël
L’exposition de Noël présente 6 artistes avec chacun une série spécifique. L’Espace Sugoi met en avant des artistes qui seront exposés sur 2026 -2027 en solo show ou exposition collective. Venez découvrir Jolanta Anton, Jean-Marc Forax, Éric Pelletier, Patrick Rimond, Schmrgl et Silvia Trappa !
Du 13 décembre 2025 au 23 janvier 2026
Commissariat : Sophie Cavaliero
« L’objectif de cette exposition de Noël est d’offrir un accès à l’art à petits prix avec des oeuvres multiples mais ouvrant sur des personnalités artistiques à retenir, des séries questionnant notre monde tout en apportant un plaisir esthétique certain. »
SOPHIE CAVALIERO
ARTISTES EXPOSÉES :
JOLANTA ANTON
Jolanta Anton développe une pratique centrée sur le dessin, la gravure et la peinture, où le geste, la matière et le rythme tiennent un rôle essentiel. Formée aux Beaux-Arts en Pologne, elle ancre son travail dans une solide maîtrise des techniques d’estampe tout en poursuivant une recherche personnelle continue. Son oeuvre explore la relation du corps à l’espace, la mémoire sensible des paysages et ’expression émotionnelle à travers la ligne. Ses estampes, souvent construites par strates successives, associent rigueur technique et dimension méditative. Qu’elle aborde le mouvement, la nature ou l’abstraction, Jolanta Anton recherche une forme d’équilibre entre énergie, silence et profondeur visuelle.
Ici Jolanta Anton présente la figure du « Mandala », clé de la concentration intérieure. Le cercle n’a ni début, ni fin, ni direction…il est fermé sur lui-même tel un symbole d’unité.
www.jolanton.com
JEAN-MARC FORAX
Né en 1984 en France. Diplômé de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris (DNSAP, 2009) et titulaire d’une licence LLCE Japonais (Université Paris VII, 2008). Il vit et travaille en banlieue parisienne. Sa
pratique mêle dessin, gravure, installation, vidéo et composition sonore, avec des influences marquées par la culture japonaise. Jean-Marc Forax explore les thèmes de la mémoire, du rituel et de la perception. Ses oeuvres font dialoguer références au cinéma japonais, figures spirituelles ou festives (matsuri, Jizō) et interrogations sur les images. Il revisite également les codes de l’affiche de cinéma à travers l’aquarelle ou la gravure, transformant ces objets graphiques en supports introspectifs.
Pour cette série, chaque image part d’un fragment prélevé dans une estampe japonaise classique — un détail de plante, une branche, une fleur — issu des maîtres de l’ukiyo-e. À cette base reprise et regravée, j’ajoute une
libellule, comme si elle venait se poser sur ces motifs hérités.
Le travail joue sur l’écart entre la citation d’une image ancienne et l’apparition d’un élément nouveau, léger, presque furtif. La libellule devient un point de bascule : elle réactive le fragment d’origine et crée une scène
minimale où tradition et geste contemporain se rencontrent. L’impression est réalisée entièrement à la main, à la baren (frotton), en monochrome, dans la continuité des procédés employés pour les estampes japonaises.
www.jeanmarcforax.fr
ÉRIC PELLETIER
Éric Pelletier, artiste autodidacte originaire de Montréal et installé au Japon depuis une dizaine d’années, développe une pratique mêlant techniques graphiques japonaises et savoir-faire occidental. Cette hybridation produit des œuvres stylisées, riches de détails et profondément ancrées dans l’observation du quotidien. Parallèlement, il mène un travail photographique attentif et discret, arpentant Tokyo à vélo, souvent de nuit, pour saisir la présence humaine sans s’imposer. Sa photographie, envisagée comme une discipline régulière, relève d’une approche immersive et respectueuse : il capte l’instant sans influencer ses sujets, privilégiant une relation intuitive et honnête au réel.
Instagram : @neverman316
PATRICK RIMOND
Né en 1968 à Valenciennes (France). Ingénieur de formation, il se tourne vers la photographie après une année d’assistanat et s’installe au Japon pour neuf années, principalement à Osaka. Il y développe ses premières recherches visuelles. De retour en Europe au milieu des années 2000, il élargit sa pratique (paysage, portrait, manipulation d’image) et collabore avec diverses structures artistiques. Il vit et travaille en France.
Le travail de Patrick Rimond explore la relation de l’être humain à son environnement, qu’il soit urbain, naturel ou corporel. Sa pratique repose sur une approche directe, évitant la mise en scène, et se concentre sur les textures, les formes et la matérialité. Trois axes structurent son œuvre : autres réalités, être au monde et rencontre. Son travail inclut également des expérimentations visuelles et des projets art-science.
Dans la série Sans-Visage, Patrick Rimond insère des passants du XXIème siècle, extraits de Google Street View, dans des tirages noir et blanc du New York des années 1930 réalisés par Berenice Abbott. Ces figures floutées, déplacées d’un espace virtuel vers un passé photographique, apparaissent comme des présences décalées : disproportionnées, hésitantes, incapables d’habiter réellement l’image. Cette tension révèle la difficulté des individus contemporains à se relier au réel, absorbés par eux-mêmes et comme vidés de leur vitalité. En écho aux Sans-Visage de Miyazaki – symboles de dissimulation et d’identité instable – la série confronte les époques pour interroger la condition urbaine actuelle et la fragmentation de l’identité contemporaine.
*Les tirages photographiques numérisés sont fournis par la New-York Public Library et sont bruts et libres de droits.
www.patrickrimond.com
SCHMRGL
Artiste autodidacte actif sur les réseaux sociaux, Schmgl développe une œuvre nourrie à la fois par l’univers numérique et par son vécu personnel. Sa pratique propose une lecture critique et sensible du monde contemporain, en mobilisant les codes, les symboles et les dynamiques propres à Internet. Ses images frontales sur fond noir, fortement symboliques, offrent plusieurs niveaux d’interprétation et résonnent particulièrement avec les préoccupations des jeunes générations. Bien qu’ancrée dans la création digitale, son approche intègre des effets et des références empruntés à la grande peinture, révélant une culture visuelle solide et une capacité à réinterpréter les héritages des beaux-arts.
La série présentée met en scène des chats endormis. Derrière l’apparente douceur de ces images, l’artiste évoque, à travers une expérience récente de deuil, une forme d’endormissement symbolique rappelant la figure d’Ophélie : une beauté suspendue, paisible en surface mais chargée d’úne profondeur mélancolique. Ainsi, sous le motif familier du chat « mignon », Schmrgl déploie une méditation intime sur la fragilité, la disparition et la poésie de l’abandon.
Intstagram : @schmrgl
SILVIA TRAPPA
Née en 1986 en Italie, Silvia Trappa vit et travaille entre Brescia et Milan. Diplômée en sculpture à l’Accademia di Belle Arti di Carrara (2011), elle a également étudié à la Tokyo Zokei University en 2010. Sa pratique s’articule entre sculpture, dessin et installation. L’artiste explore les thèmes de la mémoire, de l’enfance, du féminin et de la relation entre l’homme et la nature. Elle mobilise une large gamme de matériaux, intégrant parfois des références culturelles japonaises. Son travail met en tension traditions culturelles et réalités contemporaines.
HOLD ME interroge la solitude contemporaine dans un monde saturé de connexions numériques. La série évoque le désir d’un contact humain authentique face à la confusion croissante entre réel et virtuel. À travers des images issues du livre HOLD ME, Silvia Trappa compose une abstraction du quotidien où affleurent des réminiscences lointaines et une réflexion sur la fragilité des relations, rappelant le destin du Megaloceros giganteus, prisonnier de ses propres attributs. Portée par la présence symbolique des Trois Grâces, la série ouvre néanmoins sur une note d’espérance: celle d’un soutien mutuel et d’une main tendue pour réapprendre à se relier.
www.silviatrappa.com
Pour toute demande d’interview, visuels haute résolution ou accréditations : contactez Sophie Cavaliero via le formulaire de ce site
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